Top 50 meilleurs films Netflix en 2019

Source de cet article : New York Times

Le grand nombre de films sur Netflix et l’interface moins qu’idéale du site, peuvent rendre difficile la recherche d’un film vraiment génial.

Pour vous aider, nous avons sélectionné les 50 meilleurs films actuellement diffusés, mis à jour régulièrement au fur et à mesure que les titres changent.

Et en prime, nous mentionnons plus de 50 grands films sur Netflix dans bon nombre de nos écrits ci-dessous. (Remarque: les services de diffusion en continu suppriment parfois les titres ou modifient les dates de début sans préavis.)

Sommaire de l'article

Voici notre liste de meilleurs films Netflix en 2019

Top 50 meilleurs films Netflix en 2019

‘Roma’ (2018)

Alfonso Cuarón est une pièce de mémoire vivante et évocatrice qui raconte l’histoire de deux femmes mexicaines du début des années 1970: Sofía (Marina de Tavira), mère de quatre enfants dont le mari (et le prestataire) est sur le point de sortir, et Cleo (Yalitza Aparicio), la nounou, la femme de ménage et le système de soutien de la famille. Ses scènes sont parfois stressantes, souvent déchirantes et elles débordent de vie et d’émotion.

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‘Coco’ (2017)

La recherche d’un mystérieux héritage et de sa voix musicale chez un jeune garçon l’emmène littéralement au-delà de ce monde dans cette charmante gâterie touchante et joyeuse de Disney et Pixar. Installé au Mexique le jour des morts, le scénario (des co-réalisateurs Adrian Molina et Matthew Aldrich) mêle joyeusement les traditions de la fête et de la culture avec ses propres règles de la mort et de l’au-delà. Notre critique a écrit: « il joue une mélodie éprouvée avec une originalité et un talent captivants . » (Les fans de musique de film devraient également faire la queue  » West Side Story  » sur Netflix.)

 

Daisy Ridley dans «The Last Jedi». Lucasfilm

« Star Wars: Le dernier Jedi » (2017)

Dans ce huitième volet de la saga «Star Wars», le scénariste-réalisateur Rian Johnson («Looper») contourne les limites de la série de manière fascinante – bricolant avec l’iconographie, explosant les attentes et prenant l’univers dans des directions inattendues. «The Last Jedi» livre les produits à succès, avec des poursuites, des combats de chiens et des combats au sabre laser à profusion. Mais c’est aussi une méditation subtile et réfléchie sur la franchise elle-même et la nécessité de raconter des conteurs prêts à prendre de grands risques. Daisy Ridley, Oscar Isaac et John Boyega brillent tous les deux, mais c’est Mark Hamill, acteur de premier plan, qui apporte toute une vie d’espoir et de déception à la reprise tant attendue de Luke Skywalker. Notre critique l’a qualifié de « divertissement satisfaisant, transportant parfois .» (Premier long métrage de Johnson, le néo-noir brûlant « Brick, « Est également en streaming sur Netflix.)

 

Grainger Hines dans «La ballade de Buster Scruggs». Netflix

‘La ballade de Buster Scruggs’ (2018)

La dernière en date de Joel and Ethan Coen est un film d’anthologie se déroulant dans le vieil ouest, une série d’histoires de longueur et de style variables, certaines aussi courtes et simples que des blagues, d’autres avec la richesse et la profondeur d’une belle nouvelle. Notre critique écrivait: « Cela va de loufoque à horrible, si habilement et si souvent que vous ne pouvez pas toujours dire qui est lequel », et ce qui semble à première vue être un cahier filmé d’idées et d’orphelins devient plutôt un atelier; C’est un endroit où les Coens peuvent essayer des choses, en expérimentant de nouveaux styles et de nouvelles ambiances, tout en offrant le genre d’humour noir et de dialogues délicieusement ornés auxquels nous nous attendions. The Wild Bunch », également sur Netflix.)

 

Jake Gyllenhaal dans «Zodiac». Merrick Morton / Paramount Pictures

‘Zodiac’ (2007)

Le film décisif du réalisateur David Fincher était le thriller de tueurs en série « Seven », mais il n’avait pas l’intention de se répéter avec ce mystère de 2007. Parce que le véritable assassin de Zodiac n’a jamais été appréhendé ni jugé pour son crime, Fincher a évité le gros gain de la plupart des histoires de crime, pour créer un film mettant l’accent sur le type d’obsession nécessaire pour suivre cette piste, année après année, sans une conclusion satisfaisante. Notre critique l’a qualifié de « à la fois tentaculaire et étroitement construit, opaque et méticuleusement détaillé ».

Sam Sparks (interprété par Anna Faris) et Flint Lockwood (Bill Hader) dans «Nuageux avec une chance de boulettes géantes». Animation Sony Pictures / Columbia Pictures

«Nuageux avec une chance de 
boulettes de viande» (2009)

Flint Lockwood (exprimé énergiquement par Bill Hader) crée un satellite qui peut transformer l’eau en nourriture, transformant ainsi son île de pêche oubliée en une destination gastronomique et un haut lieu touristique. Mais lorsque les portions commencent à se transformer en super-aliments surdimensionnés, Flint doit trouver le courage de finir ce qu’il a commencé. Anna Farris, James Caan, M. T et Bruce Campbell figurent parmi les voix les plus remarquables, et même si les plus petits adoreront les images de hot-dogs et de spaghettis tombant du ciel, vous apprendrez aussi à être soi-même et à faire. ce qui est vrai. Notre critique l’a qualifié de « portion unique de folie inspirée» .

‘Scarface’ (1983)

Reliant librement le classique du bootleg gangster de 1932 de Howard Hawks et Richard Rosson à l’époque du début des années 80 à Miami, «Scarface» nous livre quelques-uns des films les plus dramatiques d’Al Pacino, et le film le plus fou de Brian De Palma (idem ), et le dialogue le plus mémorable d’Oliver Stone. («Dis bonjour à mon petit ami!») Incarnez Michelle Pfeiffer, la plus sournoise des foules depuis Virginia Mayo, et vous avez un classique certifié des années 80; notre critique l’a qualifié de « aussi terrifiant que vif et saisissant ».

Kathryn Hahn et Paul Giamatti dans «Private Life». Jojo Whilden / Netflix

«Vie privée» (2018)

Kathryn Hahn et Paul Giamatti sont deux types de créateurs new-yorkais qui tentent de fonder une famille – par adoption, par fécondation, par tout ce qui leur est nécessaire – mettent à l’épreuve leurs relations et leur santé mentale. Le scénario sage de la réalisatrice Tamara Jenkins est non seulement drôle et véridique, mais également parfaitement adapté à leur monde: peu de films ont aussi bien capté la nature très publique des problèmes conjugaux à New York, lorsque chaque effondrement est interrompu par des passants et des spectateurs. -loos. La «vie privée», que notre critique a qualifiée de « piquante et parfaite », est un merveilleux acte d’équilibre entre sympathie et cynisme: prendre soin de ses sujets et les connaître suffisamment, ainsi que leurs défauts, pour faire un clin d’œil et rire.

Dustin Hoffman, à gauche, et Robert Redford dans «Tous les hommes du président». Warner Bros.

« Tous les hommes du président » (1976)

Le réalisateur Alan J. Pakula détaille minutieusement les débuts de Watergate – le crime, le camouflage et le scandale qui a finalement entraîné la chute de la présidence de Nixon. Bob Woodward et Carl Bernstein ont relaté cette histoire dans leur livre de 1974 ; En plus de faire jouer Robert Redford et Dustin Hoffman, Pakula et le scénariste William Goldman ont fermement refusé de raconter cette histoire résolument non hollywoodienne, ne se concentrant pas sur la chute dramatique du président, mais sur le rude travail de reportage en cuir. Notre critique l’a qualifié de « fascinant ».

Harrison Ford dans «Les aventuriers de l’arche perdue». Lucasfilm

‘Les aventuriers de l’arche perdue’ (1981)

Si bien que cette aventure de Steven Spielberg en 1981 est entrée dans le royaume de l’immortalité de la culture pop – le rocher qui roule, le visage nazi en fusion, la chasse au camion -, il est facile d’oublier à quel point c’est drôle, frais et amusant. Les réalisateurs Spielberg et le producteur George Lucas ont réuni toute une série de héros, de méchants, de bandelettes et de poignards dans un feuilleton qui plaira à la foule. Notre critique l’a qualifié de «l’ un des films d’aventures américains les plus délirants, drôles, ingénieux et élégants jamais réalisés ». (Pour plus d’informations sur Dr. Jones, consultez « Indiana Jones et le temple maudit » sur Netflix.)

Une scène de « Cité de Dieu ». Miramax

‘Cité de Dieu’ (2003)

Le réalisateur Fernando Meirelles, nominé aux Oscars 2003, retrace son histoire souvent racontée du crime de quartier avec une énergie si effrénée et une exubérance enivrante qu’il se sent tout nouveau. Meirelles et sa co-réalisatrice, Kátia Lund, construisent leur film en tant que « Goodfellas »; À l’instar de ce film, «Cité de Dieu» est basé sur de vrais événements, capturant l’immense séduction de la vie criminelle et les conséquences désastreuses pour ceux qui la choisissent. Notre critique l’a qualifié de « histoire anecdotique de violence violente ». (Le prochain film de Meirelles, « The Constant Gardener », est également diffusé sur Netflix, tout comme l’épopée policière « Il était une fois en Amérique ».

De gauche à droite, Eric Idle, John Cleese, Graham Chapman, Terry Jones et Michael Palin dans «Monty Python et le Saint Graal». Sony Pictures Home Entertainment

‘Monty Python et le Saint Graal’ (1975)

La troupe de comédies britannique Monty Python a créé sa comédie de long métrage la plus drôle, la plus folle et la plus conviviale avec cet envoi de 1975 de la légende du roi Arthur – et de la littérature médiévale en général et des épopées sur grand écran. Graham Chapman est le protagoniste apparent d’Arthur, menant ses Chevaliers de la table ronde dans une quête du Graal, mais l’intrigue n’est qu’une corde à linge sur laquelle on peut suspendre des esquisses d’extinction et des gags conscients, et ils sont nombreux. Notre critique l’a qualifié de « tentative merveilleusement particulière d’aliénés. » (Pour plus de plaisir avec Python, faites la queue de la parodie biblique de 1979, « La vie de Brian « .)

Orson Welles dans «Le troisième homme». Rialto Pictures

« Le troisième homme » (1950)

L’adaptation du roman de Graham Greene par la réalisatrice Carol Reed dépeint un romancier en difficulté (Joseph Cotton) qui se rend à Vienne pour enquêter sur la mort de son vieil ami Harry Lime (Orson Welles), seulement pour découvrir qu’il y a beaucoup plus à raconter l’histoire été dit. La cinématographie élégante et les partitions inoubliables contribuent à faire de ce film l’un des meilleurs films noirs; notre critique l’a qualifié de «mélodrame surdimensionné» (les fans de thrillers classiques voulaient également regarder « Étrangers sur un train » de Hitchcock ; le film « The Magnificent Ambers », dirigé par Welles, est également diffusé sur Netflix.)

Une scène de «Gremlins». Warner Bros.

«Gremlins» (1984)

Avec Steven Spielberg en tant que producteur exécutif, cette comédie d’horreur bien-aimée de 1984 semble, dans ses premières scènes, naître du même portrait de banlieue et de la même banlieue qui nous a donné «ET». Mais ensuite, le réalisateur Joe Dante a montré ses dents comme le film se transforme en une mêlée de mort et de destruction, exécuté avec habileté et avec un clin d’œil, donnant lieu à ce que notre critique a appelé «un mélange savant de plaisanteries de cinéphiles, de genres de films et de sensibilités de films». (Les fans de dark fantasy voudront également pour diffuser « Le cristal sombre ».)

Ellar Coltrane et Patricia Arquette dans «Boyhood». Deana Newcomb / IFC FIlms

‘Enfance’ (2014)

Sur une période de 12 ans, le réalisateur Richard Linklater a construit subrepticement «Boyhood» autour du non-acteur Ellar Coltrane, repliant le développement de ce garçon de 6 à 18 ans dans un récit fictif sur le fait de grandir sous une mère célibataire dévouée (Patricia Arquette). un père (Ethan Hawke) dont la présence dans sa vie est beaucoup moins cohérente. Regarder l’âge de Coltrane est une expérience particulièrement puissante en soi, mais Linklater garde le cadre accessible aux développements plus importants de la culture et de la politique, ainsi qu’aux particularités de la vie de famille au Texas. Manohla Dargis l’appelait « le chef-d’œuvre de M. Linklater ». (Amour des drames sur le passage à l’âge adulte? Essayez « Good Will Hunting » ou « Mustang ».)

Anya Taylor-Joy dans «La sorcière». A24

«La sorcière» (2016)

Une famille puritaine, bannie dans la forêt de la Nouvelle-Angleterre par sa communauté, rencontre une force effrayante du vrai mal dans ce mélange puissant de drames artistiques et de thrillers surnaturels de l’écrivain et réalisateur Robert Eggers. Résistant aux craintes de sauts et aux sensations fortes au détriment des brûlures lentes et de la peur inquiétante, Eggers construit son histoire à un point culminant à la fois terrifiant et inévitable. Notre critique l’a qualifié de « frisson de film parfaitement calibré ». (Pour une horreur plus artistique, consultez « Les Lamentations »; si vos goûts sont plus généraux, essayez « Poltergeist ».)

Uma Thurman dans «Pulp Fiction». Linda R. Chen / Films Miramax

‘Pulp Fiction’ (1994)

Trois histoires de crime – un homme à tout faire dînant avec la femme de son patron, un boxeur qui décide de ne pas lancer le grand combat et un contrat à mort qui a mal tourné – sont mélangés comme des cartes dans un jeu, racontées hors d’ordre et avec de délicieuses courbes narratives cet méli-mélo de 1994 de l’auteur-réalisateur Quentin Tarantino. Il écrit le genre de dialogue savoureux et conscient que les acteurs aiment dévorer, et il constitue un ensemble enviable de grands noms, d’étoiles déchues et de talents montants pour le mener à bien. Notre critique appelle cela une œuvre de « profondeur, d’esprit et d’originalité éclatante. 

De gauche à droite, Callum Turner, Alia Shawkat et Anton Yelchin dans «Green Room».Scott Patrick Green / A24

«Chambre verte» (2016)

Un petit groupe punk, sans le savoir, réserve un concert dans un bar de la suprématie blanche et regrette rapidement la décision de ce thriller. «Green Room» a besoin d’un fort estomac – l’action est sinistre, et sa représentation du bigot ne tire pas le poing – mais le réalisateur Jeremy Saulnier maintient le rythme si serré et l’efficacité du tournage, laisse le spectateur à bout de souffle. AO Scott a qualifié ce film de « film de siège tendu et méchant ».

Jacob Tremblay et Brie Larson dans « Room ». George Kraychyk / A24

«Chambre» (2015)

Brie Larson a été récompensée par un Oscar pour sa performance dans cette adaptation émouvante du roman d’Emma Donoghue, dans laquelle une femme maintenue en captivité pendant des années tente de fuir son ravisseur avec l’aide de son jeune fils. La direction intime de Lenny Abrahamson souligne la claustrophobie de leur environnement, mais séduit par la promesse et la possibilité d’une évasion. (Pour plus de drames aux Oscars, diffusez  » Milk « ,  » The Aviator  » et  » The King’s Speech « .)

Javier Bardem dans «Pas de pays pour les vieillards». Films Miramax

«Pas de pays pour les vieillards» (2007)

Joel et Ethan Coen ont remporté leurs premiers Oscars du meilleur film et du meilleur réalisateur (et leur deuxième prix au meilleur scénario) pour cette adaptation captivante, sombre et drôlement drôle du roman de 2005 de Cormac McCarthy . Raconter les histoires d’un tueur impitoyable (Javier Bardem, qui a remporté l’Oscar du meilleur second rôle masculin), d’un éleveur moralement flexible (Josh Brolin) et d’un shérif de la petite ville (Tommy Lee Jones) dont les chemins se croisent lorsqu’un marché frontalier est conclu Au sud, les Coens construisent un contemporain occidental dans son cadre et son style, préparant la table pour les affrontements et les fusillades habituels, puis inversant ces attentes. Notre critique l’a qualifié de « sombre, effrayant et impitoyablement violent ». (Pour plus de crime avec une bouffée d’occidental, faites la queue « Hell or High Water.»)

Colin Farrell, à gauche, et Brendan Gleeson dans «À Bruges». Jaap Buitendijk / Focus Features

‘À Bruges’ (2008)

Deux tueurs à contrat sont envoyés dans la ville touristique belge de Bruges pour attendre leur prochaine mission dans ce mélange pointu et spirituel entre «Pulp Fiction» et «En attendant Godot». Le scénariste-réalisateur Martin McDonagh divulgue le dilemme existentiel de ses personnages-hit-parers dans des questions de culpabilité et de rédemption catholiques, et aboutit à une image beaucoup plus riche et nuancée que l’arnaque Tarantino promise par ses publicités. (Pour une action / comédie un peu plus ridicule avec un paramètre similaire, consultez « Hot Fuzz ».)

Merab Ninidze et Ia Shugliashvili dans «Ma famille heureuse». Netflix

«Ma famille heureuse» (2017)

Une femme géorgienne âgée de 52 ans choque sa famille, et toute sa communauté, lorsqu’elle décide de sortir de cet appartement familial – en laissant son mari, ses enfants et ses parents pour enfin commencer sa propre vie. «Dans ce monde, il n’y a pas de familles sans problèmes», a-t-elle dit, et les conflits du scénario de Nana Ekvtimishvili (qui a également réalisé avec Simon Gross) rappellent vivement que, même si les spécificités culturelles peuvent varier, la culpabilité familiale et les agressions passives ne sont liées par aucun langage. Manohla Dargis a loué sa « touche sardoniquement drôle et touchante ». (Pour un drame étranger plus acclamé par la critique, essayez le film hongrois « On Body and Soul », nominé aux Oscars, ou le film espagnol « Le Labyrinthe » de Guillermo del Toro .)

Tilikum dans une scène de «Blackfish». Gabriela Cowperthwaite / Magnolia Pictures

‘Blackfish’ (2013)

En enquêtant sur la mort d’un entraîneur chez SeaWorld, la réalisatrice Gabriela Cowperthwaite retrace l’histoire sordide de la capture et de la formation d’épaulards, juxtaposant magistralement les publicités et les vidéos promotionnelles de SeaWorld avec les récits effrayants d’accidents, d’attaques et de relations publiques. Arpenté comme un thriller et écrit comme une sommation habile, il est intelligent, méthodique et déchirant; notre critique l’a qualifié de « documentaire délicatement lacérant » (Netflix diffuse également les documentaires acclamés « The Look of Silence » et « Icarus »).

Leila Hatami dans «Une séparation». Habib Majidi / Sony Pictures Classics

«Une séparation» (2011)

Le réalisateur iranien Asghar Farhadi a remporté un Oscar du meilleur film étranger pour le récit d’un homme, de sa femme, de leur enfant et de la famille avec laquelle ils se rencontrent de manière désastreuse. En dramatisant les retombées morales, sociales et juridiques d’un épisode domestique qui était soit un malentendu, soit un assaut, Farhadi affiche son don pour avoir raconté des histoires qui dépendent des plus infimes événements. AO Scott l’appelait «étroitement structuré» et « émotionnellement astucieux. « (Les fans de ce jeu de morale étrangère peuvent également profiter de » Burning« .)

Warren Beatty et Faye Dunaway dans «Bonnie and Clyde». Warner Bros.

‘Bonnie et Clyde’ (1967)

«Voici Mlle Bonnie Parker. Je suis Clyde Barrow. Nous volons des banques. »Avec ces mots simples mais précis, le producteur et vedette Warren Beatty a contribué à lancer un tout nouveau mouvement de création de films subversif, stimulant et axé sur les jeunes. Réalisé par Arthur Penn, le film a initialement fait l’objet de critiques mitigées – notre critique l’a qualifié de  » bâton d’homme à rien chauve  » – mais au fil des années, son pouvoir et son influence sont devenus indéniables. Chaque représentation est un joyau, mais Beatty et Faye Dunaway ont rarement atteint ce niveau dans leur autre travail, mêlant sexualité, danger, agitation et ennui.

Justin Timberlake dans «Justin Timberlake et les enfants du Tennessee». Netflix

«Justin Timberlake + les 
enfants du Tennessee» (2016)

Le dernier long métrage de Jonathan Demme a été tourné lors des deux dernières soirées de la tournée mondiale «20/20 Experience» de Justin Timberlake, au MGM Grand de Las Vegas. Le jumelage du réalisateur et du sujet est inattendu, mais Demme est à la hauteur; comme dans son film « Stop Making Sense » de Talking Heads , il capte habilement l’énergie, l’électricité et le côté ludique d’un concert, un exploit de metteur en scène plus difficile qu’il n’apparaît. (Pour un documentaire musical plus percutant, consultez « Metallica: une sorte de monstre ».)

Une scène de «Le Petit Prince». Netflix

‘Le Petit Prince’ (2016)

Le réalisateur Mark Osborne («Kung Fu Panda») a adopté une approche non conventionnelle pour adapter à l’écran le livre classique pour enfants d’ Antoine de Saint-Exupéry. Il a raconté l’histoire de la rencontre d’un aviateur avec un petit garçon magique dans un conte contemporain amitié avec cet aviateur (maintenant un vieil homme grisonnant). Cela ressemble à une recette pour un désastre, réparer un livre qui ne soit pas cassé, mais «Le Petit Prince» est un petit miracle, maintenant la magie et la douceur de l’original tout en le contextualisant pour une nouvelle génération. Notre critique l’a qualifié de «particulièrement énergique et imaginatif ». (Les téléspectateurs à la recherche de divertissement en famille plus décalé devraient essayer « Coraline » ou « Billy Elliot ».)

Angela Davis, universitaire et militante, dans «13th». Netflix

«13ème» (2016)

Ava DuVernay («Selma») dirige cette vaste et profonde plongée dans l’incarcération de masse, retraçant l’avènement du système pénitentiaire américain surpeuplé (et rempli de minorités de manière disproportionnée) jusqu’au 13e amendement de la Constitution américaine. C’est un sujet gigantesque à aborder en 100 minutes, et DuVernay doit naturellement faire quelques écumage et découpage. Mais cette nécessité engendre son style: le «13ème» déchire l’histoire avec une urgence palpable qui se marie bien avec sa fureur vertueuse. Notre critique l’a qualifié de « puissant, exaspérant et parfois accablant » (les fans de documentaires devraient également rechercher « Jiro Dreams of Sushi »).

Burt Reynolds dans « Deliverance ». Warner Bros.

‘Deliverance’ (1972)

Le roman musclé et brutal de James Dickey reçoit un traitement sur grand écran troublant dans cette adaptation cinématographique du réalisateur John Boorman. Burt Reynolds, Jon Voight, Ned Beatty et Ronny Cox incarnent des hommes d’affaires d’Atlanta qui se rendent dans l’arrière-pays de la Géorgie pour faire une excursion en canoë-kayak et obtenir un peu plus de couleur locale que prévu. Nommé à trois Oscars (dont celui du meilleur film), notre critique l’a qualifié de « pièce de film magnifique » (pour une autre adaptation de fiction de premier ordre, essayez la version de Ben Affleck sur « Gone Baby Gone » de Dennis Lehane ).

Une scène de «Moon». Sony Pictures Classics

‘Moon’ (2009)

Cette histoire de science-fiction intelligente du réalisateur Duncan Jones («Mute») est presque entièrement un one-man-show. Sam Rockwell, en tant qu’astronaute ouvrier en mission solo, est l’homme du métier – il est tour à tour tragique, drôle, motivé et amer, souvent dans la même scène, jouant souvent pour lui-même. « Moon » est passionnant et suscite la réflexion, avec une finale magnifique. Notre critique l’a qualifié de  » premier long métrage modeste et obsédant « . (Pour plus de science-fiction, consultez  » Ex Machina « ; pour la science non-fiction, essayez  » Apollo 13 « .)

Elizabeth Taylor et Richard Burton dans «Qui a peur de Virginia Woolf». Warner Bros.

«Qui a peur de Virginia Woolf? (1966)

Le favori brûlant d’Edward Albee est apparu à l’écran comme un coup de tonnerre dans cette adaptation déchirante du réalisateur Mike Nichols (son premier long métrage). Richard Burton et Elizabeth Taylor apportent toute la force de leur relation hors-écran orageuse – notre critique l’a qualifiée de  » meilleure oeuvre de sa carrière  » – dans le rôle de George et Martha, ce couple universitaire misérablement marié qui invite un jeune couple (George Segal et Sandy Dennis ) et les manger vivants. Au rythme rapide, furieusement drôle et agissant de façon foudroyante, il reste un travail imposant.

Liam Neeson sur «La liste de Schindler». David James / Universal Pictures

«Liste de Schindler» (1993)

Après presque 20 ans de production de maïs soufflé, Steven Spielberg s’est révélé être non seulement un dramaturge sérieux, mais également l’un de nos chroniqueurs historiques les plus doués avec ce film de 1993. Il y raconte l’histoire vraie d’Oskar Schindler (Liam Neeson), homme d’affaires allemand et membre du parti nazi, devenu le sauveur improbable de plus de 1 000 travailleurs juifs dans ses usines. Notre critique a écrit que Spielberg avait dirigé le film  » avec fureur et immédiateté  » (pour plus de drame historique de Spielberg, faites la queue  » Lincoln « ; pour une autre histoire de l’Holocauste récompensée par un Oscar, essayez  » Le pianiste « .)

Dans le sens des aiguilles d’une montre, Trula Hoosier, Barbara-O et Alva Rogers dans «Filles de la poussière». Collection de films Cohen

‘Filles de la poussière’ (1992)

Ce drame historique de la scénariste-réalisatrice Julie Dash a constitué un véritable défi pour le grand public lors de sa sortie en 1991. Mais sa réputation a grandi au fil des années (grâce, en grande partie, à l’ hommage explicite que lui ont rendu «Limonade» de Beyoncé), l’élevant à sa juste place parmi les films indépendants les plus importants de son époque. Notre critique l’a qualifié de  » film d’une beauté visuelle envoûtante « . (Si vous aimez de magnifiques pièces d’époque, essayez  » The Immigrant » .)

Jodie Foster et Anthony Hopkins dans «Le silence des agneaux». Orion Pictures

‘Le silence des agneaux’ (1991)

Peu de personnages fictifs se sont insérés dans la conscience de la culture pop aussi fermement que Dr. Hannibal Lecter, le monstre génial rendu terrifiant par Anthony Hopkins dans l’adaptation de Jonathan Demme du best-seller de Thomas Harris en 1991 . Le film a également remporté les prix du meilleur film, du réalisateur, du meilleur scénario et de la meilleure actrice – une quintuple pièce n’a pu égaler que deux fois dans l’histoire du film – toutes méritantes, sans doute plus que Jodie Foster, dont le portrait indélébile de la recrue du FBI Clarice Starling allie à la perfection la naïveté des petites villes et la force de son esprit. Notre critique l’a qualifié de  » film pop d’un ordre élevé « .

Dustin Hoffman dans «The Graduate». MGM

« Le diplômé » (1968)

Ce drame drôlement drôle de Mike Nichols, adapté du roman de Charles Webb, est devenu une pièce si profondément enracinée de la culture populaire (plus de 50 ans plus tard, vous n’avez toujours pas à expliquer ce que «Mme Robinson» signifie) est facile de perdre de vue ce qu’est un excellent divertissement . Mais c’est le cas: Nichols, qui utilise Dustin Hoffman comme son merveilleux vaisseau à l’esprit sec, met en scène un jeune ennemi avec une habileté rarement vue dans le cinéma américain. Notre critique l’a qualifié de  » drôle, scandaleux et touchant . » (Un autre film classique sur l’âge adulte,  » East of Eden  » d’ Elia Kaznan , est également diffusé sur Netflix.)

Keanu Reeves, à gauche, et Hugo Weaving dans «The Matrix». Warner Bros.

« La matrice » (1999)

Ce jeu en série est un mélange inventif de science-fiction dystopique du futur, « gun fu » à la hongkongaise, de la paranoïa du tournant du siècle et d’effets spéciaux à couper le souffle. Ses grands décors ont été imités à mort, mais rarement avec l’énergie viscérale et l’enthousiasme vertigineux de Wachowskis, deux cinéastes indépendants à qui l’on a donné les outils et le budget d’une grande photo de studio et qui ont eu une explosion absolue. Notre critique l’a qualifié de  » tornade furieuse d’effets spéciaux . » (Pour une action plus classique, essayez  » The Terminator « .)

Gael García Bernal et Maribel Verdu dans le film «Y Tu Mamá También». Daniel Daza / IFC Films

‘Y Tu Mamá También’ (2002)

Cela ressemble à la configuration d’une comédie sexuelle des années 80: deux adolescents en chaleur prennent un voyage impromptu sur la route et incitent une femme plus âgée et séduisante à se joindre à eux. Mais le réalisateur Alfonso Cuarón (« Gravity », « Les enfants des hommes »), « Y Tu Mamá También » décrit leur histoire en partie à travers le prisme inattendu mais efficace de la lutte de classe et politique, en construisant un film délicat avec beaucoup à dire sur la masculinité, la pauvreté et la mortalité. Et puis c’est sexy, en plus de ça. Notre critique l’a qualifié de « rapide, drôle, sans peur de la sexualité et finalement dévastateur ». (Pour un cinéma étranger plus aventureux, consultez « Happy as Lazarro » ou « Incendies ».)

Rooney Mara dans « Carol ». Weinstein Company

‘Carol’ (2015)

Le roman d’amour lesbien « The Price of Salt » de Patricia Highsmith , écrit à l’origine sous le pseudonyme de Claire Morgan, est adapté avec sensibilité et intelligence par le réalisateur Todd Haynes à ce dernier, son compagnon de son précédent chef-d’œuvre «Far From Heaven». Cate Blanchett est en train de briser les banlieues. Femme au foyer des années 50 qui se trouve tellement enivrée par une vendeuse bohème (une Rooney Mara enchanteresse ) qu’elle est prête à risquer toute sa vie confortable pour suivre, une fois, son cœur. Notre critique a dit que c’était « à la fois ardent et analytique, cérébral et évanoui . » (  » Quiz Show «  est un autre drame à voir absolument se déroulant dans les années 1950; Mara fait également un travail remarquable dans « Her ».)

Adrian Titieni et Maria-Victoria Dragus dans «Graduation». Sundance Selects

‘Graduation’ (2017)

Les films de l’auteur roumain Cristian Mungiu (qui comprend « 4 mois, 3 semaines et 2 jours» et «Au-delà des collines») sont à bien des égards une pratique morale, une pratique qu’il avance avec force dans son dernier effort. À travers un paysage urbain post-soviétique morne et délabré, le film suit un médecin aisé (Adrian Titieni) dont la fille (Maria Dragus) est agressée juste avant ses examens d’entrée à l’université; alors qu’il tente de sauver son avenir, toutefois, ses efforts le mènent sur un chemin obscurcissant qui obscurcit son sens du bien et du mal. AO Scott a qualifié le film de « nerveux et humain ».

Une scène de «Mudbound». Steve Dietl / Netflix

‘Mudbound’ (2017)

Les destins de deux familles – une blanche et une noire, reliées par une parcelle de terrain que l’on possède et l’autre métropole – sont inextricablement liées dans cette puissante adaptation du réalisateur Dee Rees au roman de Hillary Jordan. Rees raconte gracieusement les deux histoires (et la plus grande histoire de l’Amérique de l’après-guerre) sans virer au didactisme, et sa distribution d’ensemble met en valeur chaque instant de texte et de sous-texte. Notre critique l’a qualifié de  » force inquiétante et éclairante  » (la co-vedette Carey Mulligan impressionne également dans un autre drame d’époque, «  An Education « ).

Uma Thurman dans «Kill Bill: Vol. 1. » Andrew Cooper / Miramax Films

‘Kill Bill, Vol. 1 ‘(2003) 
/’ Kill Bill, Vol. 2 ‘(2004)

Rendant hommage aux films d’exploitation de différentes époques et cultures, ce double-film plonge dans le kung-fu, l’anime, les spaghettis occidentaux et la blaxploitation. Son scénariste / réalisateur Quentin Tarantino sautille à travers des styles comme un enfant fou de cinéma échangeant des cassettes VHS. Mais dans toutes les pièces pyrotechniques, il maintient son don pour les dialogues cités et les personnages charismatiques, mettant fin à sa saga sanglante avec une note étonnamment chaleureuse et humaine. Nos critiques ont loué «l’ intégrité étrange et fébrile » de «Vol. 1 »et intitulé« Vol. 2 «  » Le film de bande dessinée le plus voluptueux jamais réalisé . « (Les fans d’action intense devraient également faire la queue » Train to Busan « .)

Jeremy Renner dans «The Hurt Locker». Summit Entertainment

‘The Hurt Locker’ (2009)

Gagnant de l’Oscar du meilleur film de 2009 (et de la meilleure réalisatrice pour Kathryn Bigelow), ce drame de guerre déchirant concerne une équipe de spécialistes formés à la diffusion de bombes sur le terrain en Irak – plus particulièrement du Sgt Staff. William James (Jeremy Renner), qui est un peu un canon lâche. Bigelow dégage une tension palpable et transpirante de ce travail terrifiant, mais elle ne se contente pas de sensations fortes. le film est le plus intense quand il traite des conflits internes de James et de ses luttes psychologiques avec son équipe. Manohla Dargis l’a qualifié de « tour de force viscéralement excitant et imprégné d’adrénaline ». (Pour plus de séries dramatiques primées aux Oscars, faites la queue pour « Gosford Park » et « The Fighter». »).

Jennifer Lawrence dans «Winter’s Bone». Sebastian Mlynarski / Attractions routières

‘Os de l’hiver’ (2010)

La jeune actrice de sitcom nommée Jennifer Lawrence a fait son entrée dans le monde du cinéma avec sa performance difficile et mémorable dans ce drame indépendant réalisé en 2010 par la réalisatrice Debra Granik . Lawrence est étonnamment bon à 17 ans et essaie désespérément de sauver la maison de sa famille et de retrouver son père dans la zone rurale ravagée par la méthamphétamine Ozarks du Missouri. Notre critique l’a qualifié de « simple et suspensif, mais aussi surprenant et subtil ». (Les amateurs de théâtre indépendants peuvent également apprécier « Personal Shopper » et « Moi, Daniel Blake ».)

Elizabeth Banks et Steve Carell dans «La Vierge âgée de 40 ans». Suzanne Hanover / Universal Pictures

« La Vierge de 40 ans » (2005)

Steve Carell a joué dans le rôle principal de cette comédie romantique de 2005 aux yeux écarquillés en faisant de lui une star; elle a également transformé le scénariste-réalisateur Judd Apatow de talent télé à une machine à fabriquer des films. Son œil pour les nouveaux visages est remarquable (Seth Rogen, Paul Rudd, Mindy Kaling, Elizabeth Banks, Jane Lynch, Kat Dennings et Jonah Hill apparaissent tous dans les premiers rôles), mais le ton du film en est le coup de maître: Apatow parvient en quelque sorte à trouver équilibre qui permet les possibilités ribald de la prémisse avec la douce romance au centre de l’histoire. Manohla Dargis appelait cela «une séparation tordue » . (Pour une comédie plus sauvage, consultez « Hairspray » de John Waters )

Martin Sheen dans «Apocalypse Now». American Zoetrope / Miramax Films

‘Apocalypse Now’ (1979)

L’adaptation de «Heart of Darkness» de Joseph Conrad à l’époque vietnamienne par Francis Ford Coppola était une production notoirement troublée, harcelée par les intempéries, les luttes politiques, les dépassements de budget et de calendrier et les problèmes avec les acteurs. Compte tenu de l’ampleur des drames hors-écran, il est quelque peu miraculeux que le produit final soit si singulier et puissant: une fusion impressionnante du film psychédélique des années 60, du genre des années 70 réimaginant et de l’épopée grand écran classique. Notre critique l’a qualifié de  » travail magnifique « .

Paul Newman dans «Cool Hand Luke». Warner Bros.

‘Cool Hand Luke’ (1967)

Paul Newman réalise l’une de ses performances les plus emblématiques en tant qu’ancien héros de guerre, Lucas Jackson. Son esprit tenace, d’une liberté farouche et son refus de se prosterner devant l’autorité rendent ses gardiens fous une chaîne de la Floride et inspirent ses compagnons prisonniers. Le réalisateur Stuart Rosenberg crée une atmosphère de sueur et d’intense intensité, plaçant le spectateur aux côtés de Luke alors qu’il se bat, court et parie tout au long de sa phrase. Newman fait appel à tout son charisme considérable pour donner vie au personnage. Notre critique a loué sa  » contemplation intelligente des ironies de la vie » « .

Malcolm McDowell dans «Un orange mécanique». Warner Bros.

 » Orange mécanique ‘(1971)

Le film le plus controversé de Stanley Kubrick , et peut-être même le plus troublant (ce n’est pas une mince réclamation), était cette adaptation en 1971 du roman culte de Anthony Burgess. C’est Kubrick le plus stylisé , avec l’hyper-violence du récit atténuée par la cinématographie saisissante, le design de production futuriste et l’humour noir de jais. Notre critique a écrit qu’il  » éblouit les sens et l’esprit « .

Zhang Ziyi dans «Tigre accroupi, Dragon caché». Chan Kam Chuen / Sony Pictures Classics

‘Tigre accroupi, dragon caché’ (2000)

Ang Lee a remporté le prix de l’académie du meilleur réalisateur pour ce mélange captivant d’aventure en arts martiaux et de romance sincère. Son récit est une ruche occupée de déception, de trahison, de loyauté et de fierté. Alors que les enjeux personnels et émotionnels sont importants, « Crouching Tiger » est particulièrement mémorable pour ses séquences d’action impressionnantes – craquements et balletiques, palpitants et lyriques, les héros et les méchants transcendent la gravité elle-même. Notre critique l’a qualifié de « bière brassée délirante et capiteuse ».

Une scène de «Little Women». Columbia Pictures

«Petites femmes» (1994)

Le roman classique de Louisa May Alcott, «Little Women», n’est pas étranger à l’adaptation cinématographique – les versions de films antérieures remontent clairement à l’ère du silence – mais cet extrait de 1994 du réalisateur Gillian Armstrong («Ma brillante carrière») oriente adroitement le film. le public moderne sans se plier à sa sentimentalité à l’ancienne. Magnifiquement mis en scène et merveilleusement joué, il s’agit d’une excellente introduction à l’une des grandes œuvres de la littérature pour jeunes adultes. Notre critique l’a qualifié de  » la plus belle ‘petite femme » de tous les temps .

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